Der Regisseur von One More Shot über den Versuch, einen kompletten Actionfilm durch die Flughafensicherheit zu bringen

Neuauflage von Plato

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In 2021, One Shot schoss in die Herzen der Action-Fans, voll ausnutzen Scott Adkins’ vielfältige Fähigkeiten. Es ist ein hochdynamischer taktischer Actionfilm mit einem lustigen Gimmick: Der gesamte Film ist so gestaltet, dass er wie eine durchgehende Einstellung aussieht.

Die neu veröffentlichte Fortsetzung, Noch ein Versuch, jetzt überall verfügbar, wo Sie Filme digital ausleihen oder kaufen, ist ein selbstbewussteres, ausgefeilteres Werk als das Original und bietet eine fesselnde und vertraute Actionfilm-Kulisse (einen Flughafen), mehr Action-Legenden (Tom Berenger und Michael Jai White) und eine Reihe aufregender Kampfsequenzen, die das Beste aus dem Film machen Standort, die Einbildung und das Talent.

Noch ein Versuch bringt außerdem Regisseur James Nunn mit Adkins und Kampfchoreograf Tim Man wieder zusammen, die jeweils viermal mit Nunn zusammengearbeitet haben. Aber dieser Film ist die bislang erfolgreichste Zusammenarbeit von Nunn und Adkins. Polygon sprach mit Nunn über die Schwierigkeiten, einen Actionfilm in einem Take zu drehen, und folgte anschließend Oscar-Gewinner von Sam Mendes 1917, versteckt die Schnitte, was er aus dem ersten Film gelernt hat und seine Hoffnungen für die Zukunft der Serie.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Länge und Klarheit leicht bearbeitet.

Scott Adkins lehnt an der Vorderseite eines Autos, während man in „One More Shot“ sehen kann, wie er bei kaltem Wetter seinen Atem ausatmet

Polygon: Als jemand, der eher konventionelle Actionfilme gedreht hat Eliminators, was ist Ihrer Meinung nach für das Publikum anders, wenn ein Film als eine fortlaufende Einstellung dargestellt wird?

James Nunn: Nun, es ist lustig, weil es als Übung begann Wie kann ich etwas vorantreiben? Wie kann ich anders sein? Wie kann ich einzigartig sein? Wie kann ich Scotts rohe, erstaunliche Fähigkeiten optimal nutzen? Und wie kann ich mein technisches Know-how einsetzen? Es begann also eher als ein Experiment, bei dem es darum ging, den Leuten einfach zu beweisen, Ich bin technisch wirklich gut, er ist körperlich und vor der Kamera wirklich gut – kombinieren Sie diese Fähigkeiten und machen Sie einen Film. Von dort kam der erste Pitch. Aber im Laufe der Zeit und als wir mit den Dreharbeiten begannen, habe ich mich ehrlich gesagt irgendwie in diese Art und Weise verliebt. Sie erkennen, dass Sie Ihrem Publikum dieses Eintauchen aufzwingen.

Alle Filme haben eine tickende Uhr. Das ist die Prämisse vieler Geschichten: Man geht von A nach B oder von A nach Z, aber es geht nicht um die Buchstaben, sondern um die Reise dazwischen. Es gibt immer eine tickende Erzählung, besonders in Actionfilmen. Egal, ob eine Bombe explodiert oder Sie Ihre Liebste retten, weil sie kurz davor steht, in Säure zu fallen, es gibt immer einen Timer. Und ich denke, was passiert, wenn man die Zeit nicht durch Kürzungen manipuliert, ist, dass man die Leute tatsächlich dazu zwingt, fast auf einer unbewussten Ebene, diesen Timer einfach ein bisschen mehr zu spüren, die Dringlichkeit zu spüren und darin ein bisschen präsenter zu sein .

Schauen Sie, mit dem Stil gehen viele Probleme einher, denn man kann Scott nicht unbedingt als den besten Kampfkünstler der Welt filmen, weil man nicht die Kameraperspektiven einnehmen kann, die wirklich zeigen, was er kann. Er kann auch nicht so sein, als würde er herumwirbeln und tolle Schmetterlingspirouetten ausführen, denn das wäre einfach eine andere Welt. Das Format unterliegt also Einschränkungen. Und wir wissen, was wir tun. Wir versuchen, das Auffällige zurückzuhalten und eher auf diesen bodenständigen CQC-Militär-Touch (Nahkampf) zu setzen, der wirklich gut passt. Ich denke, die längere Einstellung davon, ob es einem gefällt oder nicht, ist, dass man einfach nur hineingezogen wird.

Bestimmte Schauspieler werden der Situation wirklich gewachsen sein und die besten sein, die Sie je gesehen haben, weil sie sagen: Ich möchte in dieser 10-minütigen Einstellung nicht derjenige sein, der es vermasselt. Sie erreichen also diese Ebene der Authentizität und Konzentration, und das spürt man auch. Aber auch wenn die Leistung etwas schwächer ist, ist es schwieriger, sich davor zu verstecken.

Ich habe mich darin verliebt. Ich werde es nicht für immer tun. Ich bin mir sicher, dass ich bald zum normalen, konventionellen Filmemachen zurückkehren werde. Aber ich habe viel Spaß. Und ich bin sehr zufrieden mit dem Empfang, den wir hatten.

Tom Berenger sieht in „One More Shot“ mürrisch aus und richtet eine Waffe

Woraus hast du gelernt? One Shot bei dem Sie sich beworben haben Noch ein Versuch? Der Film fühlt sich selbstbewusster an – haben Sie das beim Dreh so empfunden?

Das haben wir auf jeden Fall getan. Und ich sage „wir“, weil ich ein sehr solides Kernteam habe, mit dem ich gerne zusammenarbeite, und sie alle im selben Zug wie ich sind. Ich denke, der erste Film, obwohl ich zuversichtlich war … Sehen Sie, ich habe im ersten Film versucht, es ein wenig geheim zu halten, aber wir alle wissen, dass der Film versteckte Schnitte enthält. Verstehen Sie mich nicht falsch, ich werde so lange wie möglich einen Take machen. Es gibt drei Gründe für eine Unterbrechung: Sicherheit, Geografie oder Verfügbarkeit der Schauspieler, wenn Sie außerhalb der Reihenfolge drehen müssen. Das sind wirklich die Gründe, warum ich gekürzt habe. Wenn nicht, werde ich innerhalb dieses Zeitrahmens so lange wie möglich weitermachen. Es handelt sich also eigentlich um etwa acht- bis zehnminütige Takes.

Beim ersten Film wusste ich, dass wir es schaffen könnten, aber wir hatten es nicht geschafft, da wir die Schnitte vorher nicht wirklich versteckt hatten. Deshalb habe ich im ersten Film großen Wert darauf gelegt, sicherzustellen, dass wir die Schnitte verbergen können. Der Unterschied zum zweiten Film bestand darin, dass das Gewicht angehoben wurde. Wir hatten es geschafft. Ich wusste, dass wir es schaffen könnten. Ich wusste, wie es geht. Ich wusste, wie ich mich aus der Klemme befreien konnte, auch wenn an dem Tag etwas nicht funktionierte und ich da raus musste. Weil wir es schon einmal ausprobiert und getestet haben.

Das Gewicht war also von meinen Schultern genommen worden. Es ist also so, Okay, jetzt habe ich tatsächlich die Zeit, etwas genauer darüber nachzudenken, mit der Kamera aufwändiger umzugehen. Und außerdem hatten wir dafür etwas mehr Geld. Wir könnten also beispielsweise die Kamera aus dem Auto holen und sie auf einer Bohrinsel eine Treppe hinunterwerfen, in der Gewissheit, dass alles in Ordnung wäre. Wir konnten etwas trickreicher sein.

Wie haben Sie die Dreharbeiten am Flughafen London Stansted geschafft?

Das war der schwierigste Teil des gesamten Prozesses: die Dreharbeiten in der Arbeitsumgebung eines internationalen Flughafens. Wir wussten, dass wir größer werden wollten. Die Reaktion der Fans auf die erste Ausgabe war überwältigend positiv und viel stärker, als wir erwartet hatten. Wenn man sich auf solche Unternehmungen einlässt, glaubt man natürlich an den Film – das muss man tun, sonst würde man es nicht tun. Aber ich wollte unbedingt, dass es landet. Und wegen der damaligen COVID-19-Krise bekam es nicht unbedingt den großen Anstoß, den ich mir erhofft hatte, aber es reichte aus, um wirklich ein Publikum zu finden.

Wir haben auf das Feedback der Fans gehört. Nicht unbedingt die großen Zeitungsrezensionen, sondern die Fans. Und wir haben versucht, in diesem Film darauf zu reagieren und ihnen mehr Kämpfe, mehr Nahkämpfe und mehr Handlung zu geben, aber auch dafür zu sorgen, dass es sich nicht wie ein Low-Budget-Drehort anfühlt, worauf wir zufällig gestoßen sind viel in den Kommentaren.

Als wir also herausfanden, dass wir die glückliche Gelegenheit hatten, Nummer zwei zu ergattern, begannen wir mit dem, was wir tun würden, und dachten: Wir werden nie einen Flughafen bekommen. Wir stellen uns nur vor, dass wir so etwas wie eine private kleine Landebahn bekommen. Es wird aus Gummi sein, es wird sich sowieso Low-Budget anfühlen. Also wurde der Produzent Ben Jacques damit beauftragt Können Sie einen Flughafen bekommen? Und wie durch ein Wunder zeigte der viertgrößte Flughafen Englands, der Stansted Airport, Interesse. Sie sagten: Oh, wir lieben den Klang davon. Ja, komm runter. Und das haben wir getan.

Michael Jai White, der eine kugelsichere Weste trägt und ein Gewehr an der Schulter hängt, spricht in One More Shot mit einem anderen Mann, der eine kugelsichere Weste trägt, während Geiseln am Gepäckband des Flughafens aufgereiht sind.

Also gingen wir hin und schauten, und wir dachten, es wäre perfekt. Und dann haben wir das Drehbuch darum herum geschrieben. Aber hier wurde es schwierig. Beim ersten Film hatten wir einen verlassenen Drehort, den wir 11 Stunden am Tag drehen konnten, ohne Fragen, ganz einfach. Aber die Reise nach Stansted war mit einer Menge Einschränkungen verbunden, den gleichen Einschränkungen, denen Sie als Reisender ausgesetzt sind, der ins Ausland fliegt. Du gehst durch den Metalldetektor, du gehst durch die Screening-Sache. Wenn man hundert Mann mit Waffen, Messern und gefälschtem Sprengstoff reinbringt, kann man leicht eine Stunde am Tag verlieren.

Ebenso gibt es Touristen, die herumlaufen und darauf warten, ihren Flug zu erwischen und so. In Großbritannien darf zwischen Mitternacht und 4 Uhr morgens nicht geflogen werden. Der Flugverkehr wird grundsätzlich geschlossen, damit die Leute schlafen können. Und das war, als wir den Film drehten. Also kamen wir um 7 oder 8 Uhr abends am Flughafen an, machten ein paar Proben und aßen etwas. Und dann ging es zwischen Mitternacht und 4 Uhr richtig los. Um 4 Uhr war es ein harter Stopp, weil die Flugzeuge ankamen oder Leute einstiegen.

Eines Abends waren wir in der Gepäckausgabe und hatten eine lange Wartezeit und mussten noch eine Stunde gehen. Und wir hatten monatelange Treffen zu diesem Thema. Aber wissen Sie, es gibt immer einen Typen, der nie bei den Meetings ist, der auftaucht und sagt: Oh, du musst 20 Minuten einpacken. Wir haben es geschafft, zwei Takes zu machen, die jeweils neun Minuten dauerten. Der zweite ist im Film.

Jeder kennt den Aufbau eines Flughafens, sodass es für das Publikum viel einfacher wird, sich darin zurechtzufinden, wo sich die Dinge befinden, wie Orte mit Zugangsbeschränkung aussehen und dergleichen. Aber es ermöglicht Ihnen, im Hinblick auf die Aktion stärker mit der Umgebung zu interagieren. Was hat der Standort Flughafen noch zum Film beigetragen?

Es ist so, wie ich mich fühle 1917. Nach unserem Coming-Out standen wir vor einer Sache 1917, wenngleich [One Shot] war ursprünglich schon einmal geschrieben worden 1917, war, dass die Leute ein wenig mit der Hintergrundgeschichte zu kämpfen hatten. Es wurde nicht viel Hintergrundgeschichte erzählt. Und das Problem dabei, Dinge auf einmal in Echtzeit zu erledigen, besteht darin, dass man nicht mitten im Streit aufhören und anfangen kann, seine Mutter oder seine Frau anzurufen, weil das Publikum ja weiß, was man tut. Man spielt mit der Brechstange in einer Hintergrundgeschichte, aber es fühlt sich einfach kitschig und nicht real an.

Und der Vorteil, dass 1917 Was uns überwältigt hat, ist, dass das kollektive Verständnis der Nation und der Welt über einen Soldaten im Ersten Weltkrieg – jeder hat es in der Schule studiert. Sie haben sofort eine Idee oder Hintergrundwissen über diesen Soldaten. Das ist es also nicht unbedingt 1917 hat sogar mehr Hintergrundgeschichte als wir. Aber was den Unterschied macht, ist, dass es dieses ungeschriebene Verständnis des Ersten Weltkriegs gibt, das man einfach versteht. Als westliches Publikum geschieht das im Allgemeinen in Ihrem Unterbewusstsein.

Und das gilt wahrscheinlich auch für den Flughafen. Nicht jeder hat schon einmal einen Stützpunkt im Guantanamo-Stil gesehen One Shot] außerhalb eines Films. Wobei jeder einen Flughafen kennt. Und ich denke, da ist [Noch ein Versuch] auch zunimmt, ist, dass wir an einen Ort gegangen sind, den Sie alle irgendwie verstehen: Oh, es wird eine Rolltreppe geben, es wird dies geben, es wird das geben. Um auf Ihren Standpunkt einzugehen, stimme ich Ihnen voll und ganz zu. Und dann fängst du einfach an, die Früchte dessen zu genießen, was du finden kannst, du gehst herum und entwirfst den [Sturz], der über die Schienen geht oder in der U-Bahn kämpft.

Scott Adkins steht in One More Shot neben der verwundeten Hannah Arterton mit einem Verband am Arm auf dem Flughafen.

Das ist übrigens mein Lieblingskampf im Film.

Ich auch. Wir schneiden während der Kämpfe nicht. Das ist einer der Gründe, warum Scott es auch so liebt, denn wir lassen ihn es wirklich zwei, drei Minuten lang machen. Und was ich an dem U-Bahn-Kampf liebe, ist, dass es aufgrund des ganzen Vordergrunds, der Stangen, Balken und des Glases eigentlich unmöglich ist, dort überhaupt einen Schnitt zu machen. Das sind also nur zwei körperlich erstaunliche Kämpfer auf der Leinwand [Adkins und Aaron Toney], die es wirklich versuchen. Und ich habe das Privileg, dass sie das in einem fahrenden Zug mit etwa 30 Meilen pro Stunde für uns getan haben.

Was mir als eine der schwierigsten Storytelling-Herausforderungen des Formats erscheint, sind die Übergangssequenzen. Wie sind Sie vorgegangen, um innerhalb dieser Struktur von Szene zu Szene zu gelangen?

[Hier kam] der Vorteil ins Spiel, vor Ort zu sein. Erstellen Sie eine 10-seitige Gliederung, suchen Sie den Standort, schreiben Sie dann das Skript rund um den Standort und führen Sie dann festgelegte Besuche hin und her durch. Und es handelte sich auch um einen [realen] Ort und nicht um etwas, das wir bauten und das die Leute erst verstehen mussten.

Weil es viele gibt One Shot das ist eigentlich ein Set. Wir nutzen zum Beispiel das Außengelände, aber eigentlich werden alle Innenräume in der Regel in einem Fitnessstudio vor Ort zusammengebastelt. Und es war für [Drehbuchautor] Jamie [Russell] viel einfacher, diese Zeitabschnitte zu schreiben. Und dann kamen ein paar befreundete Schauspieler vorbei, etwa drei Monate bevor wir den Film drehten, und mit einer GoPro gingen wir jede Szene ab, nur um den Zeitpunkt für das Drehbuch zu bestimmen.

Möchtest du noch eines davon machen? Ein letzter Schuss, vielleicht?

Ja, ich möchte noch eins machen. Ich habe keine Spoiler für dich. Es gibt noch kein grünes Licht. Ich werde mein Bestes geben und an jede Tür klopfen, um uns hoffentlich dorthin zu bringen. Aber außer dem Titel gibt es keine Neuigkeiten. Und es scheint, als hätte das Internet den Titel selbst gefunden.

Ich meine, Sie haben uns darauf vorbereitet.

[Lacht] Ich und die Produzenten haben in der Vergangenheit darüber gesprochen, aber im Internet war es so etwas wie eine Art Achterbahnfahrt, die Spaß macht und aufregend ist. Ich würde diesen Film unbedingt gerne machen, aber wir sind noch nicht so weit. Mal sehen.

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