Martin Scorsese udowadnia, że ​​Quentin Tarantino myli się w sprawie starzenia się reżyserów

W 2021 roku Quentina Tarantino bronił zamiaru nakręcenia „tylko” 10 filmów i przejścia na emeryturę, mówiąc: „Znam historię kina i odtąd reżyserzy nie są lepsi”. Takie spojrzenie zarówno na sztukę, jak i na film stoi w sprzeczności z historycznym dorobkiem Martina Scorsese. Do 10 roku Scorsese nakręcił już swój 1986. pełnometrażowy film fabularny. Ma teraz 80 lat, a 27. Zabójcy kwiatowego księżyca, to mocny argument na to, że reżyserzy w późnym wieku nadal są zdolni do osiągnięcia przełomowej wielkości – a w przypadku Scorsese – do kontynuowania ekscytujących eksperymentów i odkryć.

Od 2000 roku Scorsese jest kuratorem swojej kariery trwającej 23 lata, a jakość i różnorodność jego filmów wynika nie z jego wieku i doświadczenia, ale z tego powodu. Jego filmy nigdy nie były bardziej aktualne niż przez ostatnie dwie dekady. Z każdym kolejnym wydawnictwem, w miarę jak jego kariera dobiega końca, uznanie krytyków dla niego rośnie. Kult Scorsese to jedyna pozostała forma gerontokracji, z której Ameryka jest w pełni zadowolona i nie bez powodu.

Tylko w XXI wieku Scorsese nakręcił dziewięć pełnometrażowych filmów narracyjnych: Gangi Nowego Jorku, Aviator, Infiltracja, Shutter Island, Hugo, The Wolf of Wall Street, Cisza, Irishman, i teraz, Zabójcy kwiatowego księżyca. Jego odcinek z 1976 roku Taksówkarz przez 1990r Chłopcy z ferajny to wciąż jego szczytowy występ, filmy, które zdefiniowały jego styl i perspektywę. Ale za kilka dekad dziewięć filmów fabularnych, które nakręcił od 2000 roku, nie będzie już wspominane jako niedopracowane, pobłażliwe refleksje nadętego artysty, który stracił swoją szybką piłkę, co zdarza się niektórym wielkim autorom na starość. Zamiast tego jest to płodny, żywotny dorobek, wirtuozowski na zupełnie nowy sposób i równie ważny dla kontekstualizacji jego wielkości, jak wszystkie niesamowite dzieła, które je poprzedzały.

Stare klasyki

Niektóre z tych dziewięciu filmów to cieszące się od dawna triumfy, powracające do ulubionych tematów, które definiowały twórczość Scorsese w XX wieku, często bezpośrednio komentujące prace z pierwszej połowy jego kariery. 20 rok Gangi Nowego Jorku, opowiadający o tym, jak przestępczość zorganizowana od samego początku była wpleciona w funkcjonowanie rodzinnego miasta Scorsese, jest prequelem (lub przodkiem) jego klasyków Chłopcy z ferajny i Kasyno. 2019 jest Irishman, opowiadający o starzejącym się i umierającym z poczuciem winy i grzechami nierozwiązanymi pod koniec przestępczego życia, ma stanowić podpórkę do jego trylogii kryminalnej z Robertem De Niro i Joe Pesci. 2016 rok Cisza prowadzi dyskusję, jeśli nie syntezę, idei eksplorowanych w Ostatnie Kuszenie Chrystusa i Kundun; wszystkie trzy to antykomercyjne filmy religijne, o których powstanie Scorsese walczył latami.

We wszystkich filmach Scorsese z późnego okresu (wraz z szeregiem rockowych filmów dokumentalnych, które nakręcił w tej epoce, m.in. jego dwójka on Bob Dylan i jeden na George Harrison), Scorsese świadomie powraca do pewnych ulubionych tematów i okresów w swojej twórczości – nie po to, aby się powtarzać, ale aby zrewidować i dodać szerszą perspektywę. Odnosi się wrażenie, że próbuje dostosować swoje stanowisko bystrym okiem starszej osoby, która widziała więcej świata, porzuciła pretensje i straciła zdolność do bzdur. W jego późniejszych filmach powracają do starych tematów i obsesji, ale przy okazji stały się one bardziej kontemplacyjne.

Nowe sztuczki

Ta era obejmowała również radykalne odejścia od Scorsese. 2004 rok Aviator to jego najbardziej konwencjonalny film w dotychczasowej historii, najbardziej tradycyjna, przypominająca Oscara, biografia Old Hollywood, jaką nakręcił. Najlepiej rozumieć to jako reżyser do wynajęcia środek do czyszczenia podniebienia po tym, jak Scorsese zakończył odyseję tworzenia wiecznie zmartwiony Gangi Nowego Jorku. Lata dwudzieste Shutter Island to horror i napięcie, ćwiczenie eksperckie w czystym gatunku, część Filmy z młotem i częściowo Alfreda Hitchcocka. Zawiera także jedne z najbardziej pomysłowych, poruszających i malarskich wizualizacji, jakie kiedykolwiek nakręcił.

I 2011 rok Hugo to chyba najtrudniejszy film Scorsese, jaki można sobie wyobrazić w twórczości młodszego Scorsese. To trójwymiarowy film familijny w stylu Roberta Zemeckisa, który opowiada także o końcu życia i nieśmiertelności w sztuce. Scorsese nakręcił ten film jako list miłosny do Georgesa Mélièsa, Harolda Lloyda i jego własnej, wówczas 3-letniej córki, Francesca. To projekt pozornie mający na celu przypomnienie ojcom wszystkich czasów, gdy próbowali zapoznać swoje dzieci z ulubionymi starymi filmami. Hugo wyraźnie opowiada o legendarnej kinofilii Scorsese w sposób, w jaki nie są to jego wcześniejsze filmy, i jest sentymentalny w sposób, jakiego jego twórczość nie była nigdy wcześniej ani później.

Nowe życie

2002 jest Gangi Nowego Jorku był końcowym produktem interesującego, ale ostatecznie błędnego kompromisu pomiędzy Scorsese i producentem Harveyem Weinsteinem. Film zachowuje jednak znaczenie, ponieważ stanowi początek decydującej relacji na tym etapie kariery Scorsese z Leonardo DiCaprio. To symbiotyczne partnerstwo podniosło na duchu obu mężczyzn: outsidera z branży, który potrzebował bezpiecznego zakładu kasowego, aby w końcu sfinansować swoje epickie, drogie projekty marzeń, oraz nastoletniego łobuza, który potrzebował autora z powagą arthouse'u, który potraktowałby go poważnie, więc branża zrobiłbym.

Jak dotąd projekt odniósł ogromny sukces, w wyniku czego w ciągu 21 lat powstało sześć filmów. Pierwsze pięć (Gangi Nowego Jorku, Aviator, Infiltracja, Shutter Island, The Wolf of Wall Street) należą do Scorsese pięciu najbardziej dochodowych filmów, z kasą dla Killers przychodzące. Przez lata współpraca Scorsese i DiCaprio stanowiła prawdziwe twórcze małżeństwo. Dwóch mężczyzn teraz udostępnij menedżera w Ricku Yornie, człowieku odpowiedzialnym za odkrycie DiCaprio. To dowód, że DiCaprio nie był „tylko” muzą i twarzą na plakatach; miał wpływ na podejmowanie decyzji, jakich projektów podjął się Scorsese, a nawet podjął znaczące decyzje dotyczące kształtowania historii Scorsese. (Scorsese całkowicie przemyślany Zabójcy kwiatowego księżyca po tym, jak DiCaprio przedstawił uwagi na temat wczesnej wersji scenariusza, w tym na temat przeniesienia uwagi na innego głównego bohatera i przeniesienia DiCaprio do tej roli).

Dla niektórych starszych filmowców – powiedzmy Clinta Eastwooda – starzenie się oznacza zadowalanie się bardziej rutynowymi i mniej wymagającymi historiami i ujęciami, przy napiętym harmonogramie produkcji. Scorsese poszedł w innym kierunku. Z zewnątrz, Infiltracja wydaje się być cynicznym, domowym remakiem strzelaniny między policjantami i rabusiami w Hongkongu. Ale Scorsese czyni go swoim własnym i tchnie w niego dziwne życie i energię. Zawiera błędy ciągłości, szybkie cięcie, rytmiczne i arytmiczne bomby igłowe oraz głupkowaty humor, którego w jego filmach nie było od tamtej pory Chłopcy z ferajny. Z tego filmu w zasadzie zrodził się cały gatunek języka filmowego, ale... Infiltracja idzie o krok dalej od oryginału. To było stale przepisywany i dostosowywany z aktorami w locie. W rezultacie powstał ekscytujący film, który Scorsese i jego wieloletnia partnerka twórcza, montażystka Thelma Schoonmaker, stworzyli spójny film.

Scorsese wniósł do filmu tę kokową, maksymalistyczną energię The Wolf of Wall Street, ostra komedia równie dzika, mistrzowska i improwizacyjna, jak wszystko, co kiedykolwiek zrobił. (Jonah Hill być może przemycił odrobinę Judda Apatowa Etos „Trzymaj kamerę w ruchu”..) Można poczuć solidną dawkę pewności siebie Scorsese jako uznanego twórcy filmowego (i odrobinę myślenia w stylu „Ech, dlaczego nie? Pieprzyć to!”), gdy Ferrari DiCaprio zmienia kolor w połowie narracji podczas loda na autostradzie i kiedy DiCaprio zwraca się do kamery bezpośrednio, zachęcając widzów, aby nie martwili się konkretnymi punktami fabuły. To absolutny cud, że Scorsese i Schoonmaker zdołali stworzyć arcydzieło z chaotycznych elementów tego procesu produkcyjnego (znowu w poście, z dużą ilością lektorów). Wszyscy się rozluźniają i słyszą aktorów i reżysera opisz sesję po fakcienabiera charakteru religijnego, gdzie Scorsese występuje w roli pomarszczonego szamana rozdającego pejotl.

Podstawą jest kadrowanie. Scorsese opowiada nam znajomą historię, której się od niego spodziewaliśmy, o przestępcach i przyjemności, jaką czerpią z popełniania przestępstw i czerpania z nich korzyści. Błyskotliwość polega na sposobie, w jaki wydobywa długą relację widzów filmowych ze swoją twórczością, zmieniając styl i ton swoich klasyków gangsterskich i umieszczając je w świecie finansów. Tak jak to skutecznie robi od tamtej pory KasynoScorsese broni postmodernizm, wykorzystując jako kontekst przypuszczalną znajomość jego filmów przez widzów. Nie da się odczuć całej siły wichury tego filmu, jego przyjemności i nadrzędnego punktu, jeśli Scorsese nie odniesie się do swoich wcześniejszych prac i nie będzie polegał na tym, że widzowie rozpoznają jego głos w opowiadanej historii.

Zabójcy kwiatowego księżyca

Zabójcy kwiatowego księżyca jest chyba najściślej spokrewniony Aviator jako film, który wydaje się być rozpoznawalną, przyjazną branży formą prestiżu sezonu nagród. To także powrót do głównych tematów i postaci Scorsese. To kolejna grupa napędzanych chciwością, brutalnych białych amerykańskich głupków, którzy zdobywają nieuczciwie zdobyte bogactwo i coraz bardziej pogarszają sytuację kraju. Znowu chodzi o porażkę tych ludzi, konsolidację władzy i rzucanie cienia na kraj jeszcze większym złem.

Killers dostosowuje się główne dzieło literackie o prawdziwej zbrodni historycznej od pisarza z New Yorkera. Książka zagłębia się w niejasne, ale potworne wydarzenie historyczne to kosmiczna prawda w miniaturze, zło, które przemawia do sedna całego ciemnoamerykańskiego projektu. Na ekranie jest to pierwszy prawdziwy western Scorsese, pełen wspaniałych widoków i horyzontów Oklahomy, które wywołają łzy w oku Johna Forda, jednego z wielu idoli Scorsese.

Ale film jest znacznie dziwniejszy, niż mogłoby się wydawać na papierze. Podejście Scorsese do materiału w dużej mierze wykracza poza tekst, koncentrując historię na peryferyjnej postaci, o której niewiele wiemy z książki Davida Granna. Jakimś cudem film ma też swoje zabawne elementy, m.in Infiltracja i The Wolf of Wall Streetjest zdenerwowany energię, obejmującą długie i szalone improwizacyjne wymiany zdań na ponury temat, nagłe, dzikie zmiany tonu i jedną ważną decyzję powinno to wywołać więcej debat i różnic zdań niż jakiekolwiek narzędzie narracyjne, jakiego Scorsese kiedykolwiek użył. To trzymający w napięciu, poruszający film z wieloma genialnymi rolami.

Killers to klasyczna katolicka kalkulacja Scorsese. Tym razem reżyser zajmuje się białą supremacją i systemowym rasizmem, pełen bezlitosnych i karzących wniosków oraz samooskarżeń w następstwie śmierci George'a Floyda i protestów w 2020 r. (Na konferencji prasowej 16 października Scorsese opisał film jako „historię współudziału, historię grzechu przez zaniedbanie”).

Scorsese wyraża winę i winę jako beneficjent tej nierówności. W końcowych minutach filmu dosłownie umieszcza siebie w kadrze. To poziom świadomości wykraczający poza introwertyczne moralitety, z którymi zmagał się na początku swojej kariery: to dojrzałe podejście do jednostki i naszych wzajemnych obowiązków w skali społecznej.

W dobroczynnym świetle dodanie siebie do filmu jako głosu podczas ostatecznego rozliczenia jest odważnym oświadczeniem o odpowiedzialności. W nieżyczliwym świetle odgrywa to rolę performatywną, jak starszy krewny wkurzony postem na Facebooku dotyczącym brutalności policji. Jest zbyt wcześnie, aby określić, jak ten film wpisuje się w nasz obecny moment historyczny i jak zostanie zapamiętany. Wszyscy oglądaliśmy wiele filmów i rozmawialiśmy na ich temat Zabójcy kwiatowego księżyca przed nami.

Prawdziwy mistrz

W tym stuleciu Scorsese jak zawsze kręcił się i kręcił, ale dlatego, że podążał za swoimi zróżnicowanymi zainteresowaniami, a nie dlatego, że przechodzenia od kompromisu do kompromisu, tak jak kiedyś musiał, aby kontynuować pracę. Artysta, który przez pierwsze 30 lat swojej kariery desperacko pragnął autonomii, w końcu to osiągnął, a teraz w pełni z tego korzysta: opowiada trudne historie, ustala własne megabudżety i żąda każdej minuty czasu, jakiej potrzebuje każde zdjęcie.

Wykorzystał tę autonomię, aby ponownie przyjrzeć się swojej twórczości i zrewidować nagrania, tworząc nowe, świetne filmy, a także dodając istotne uzupełnienia do wcześniejszych prac. Przeciera nowe szlaki i dodaje nowe warstwy do swojego stylu. Co ciekawe, odzyskanie kontroli, która mu umykała, gdy był młodszy, sprawiło, że jego filmy są bardziej spójne i kreatywne, bardziej płynne i żywe, niż często pozwalano mu przed 2000 rokiem. Ma pewność siebie artysty, który całe życie spędził w filmie i wie, że w poście znajdzie coś wspaniałego. Jego późny okres tylko przyczynił się do powstania jego legendy. To powinno dać Tarantino powód do ponownego rozważenia – wraz z każdym artystą lub krytykiem, który uważa, że ​​twórcza iskra ma datę ważności.

• Dystrybucja treści i PR oparta na SEO. Uzyskaj wzmocnienie już dziś.
• PlatoData.Network Pionowe generatywne AI. Wzmocnij się. Dostęp tutaj.
• PlatoAiStream. Inteligencja Web3. Wiedza wzmocniona. Dostęp tutaj.
• PlatonESG. Węgiel Czysta technologia, Energia, Środowisko, Słoneczny, Gospodarowanie odpadami. Dostęp tutaj.
• Platon Zdrowie. Inteligencja w zakresie biotechnologii i badań klinicznych. Dostęp tutaj.
• Źródło: https://www.polygon.com/23929489/martin-scorsese-best-movies-killers-flower-moon-career