Le réalisateur de One More Shot tente d'obtenir un film d'action complet via la sécurité de l'aéroport

Republié par Platon

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En 2021, One Shot a explosé dans le cœur des fans d'action, en utilisant pleinement Scott Adkins» un ensemble de compétences variées. Il s’agit d’un film d’action tactique à indice d’octane élevé avec un gadget amusant : l’ensemble du film est conçu pour ressembler à une prise continue.

La suite récemment publiée, Un tir de plus, désormais disponible partout où vous louez ou achetez des films numériquement, est un effort plus confiant et raffiné que l'original, ajoutant un décor de film d'action convaincant et familier (un aéroport), plus de légendes d'action (Tom Berenger et Michael Jai White) et une série de séquences de combat passionnantes qui tirent le meilleur parti du l'emplacement, la vanité et le talent.

Un tir de plus réunit également le réalisateur James Nunn avec Adkins et le chorégraphe de combat Tim Man, qui ont chacun travaillé avec Nunn quatre fois. Mais ce film est la collaboration la plus aboutie de Nunn et Adkins à ce jour. Polygon s'est entretenu avec Nunn sur les difficultés de tourner un film d'action en une seule prise, à la suite de L'oscarisé de Sam Mendes 1917, cachant les coupures, ce qu'il a appris du premier film et ses espoirs pour l'avenir de la série.

Cette interview a été légèrement modifiée par souci de longueur et de clarté.

Scott Adkins s'appuie contre l'avant d'une voiture comme on peut voir son souffle expiré par temps froid dans One More Shot

Polygon : En tant que personne ayant tourné des films d'action plus conventionnels, comme éliminateurs, selon vous, qu'est-ce qui est différent pour le public lorsqu'un film est présenté comme une seule prise continue ?

James Nunn : Eh bien, c'est drôle, parce que ça a commencé comme un exercice Comment puis-je pousser quelque chose ? Comment puis-je être différent ? Comment puis-je être unique ? Comment puis-je utiliser au mieux les capacités brutes et incroyables de Scott ? Et comment puis-je utiliser mon savoir-faire technique ? Cela a donc commencé comme une expérience visant simplement à prouver aux gens, Je suis vraiment bon techniquement, il est vraiment bon physiquement et devant la caméra – fusionnez ces compétences, faites un film. C’est de là qu’est venu le pitch initial. Mais au fil du temps et au fur et à mesure que nous avons commencé à le filmer, honnêtement, je suis en quelque sorte tombé amoureux de le faire de cette façon. Vous réalisez que vous poussez cette immersion sur votre public.

Tous les films ont une horloge à retardement. C’est la prémisse de beaucoup d’histoires : vous allez de A à B, ou de A à Z, mais ce n’est pas une question de lettres, c’est le voyage entre les deux. Il y a toujours une histoire à retardement, surtout dans les films d’action. Qu’il s’agisse d’une bombe qui explose ou de sauver votre proche parce qu’il est sur le point de tomber dans l’acide, il y a toujours un minuteur. Et je pense que ce qui se passe lorsque vous ne manipulez pas le temps avec des coupures, c'est que vous forcez en fait les gens, presque à un niveau subconscient, à ressentir un peu plus ce minuteur, à en ressentir l'urgence et à y être un peu plus présents. .

Maintenant, écoutez, beaucoup de problèmes viennent du style, parce que vous ne pouvez pas nécessairement filmer Scott comme le meilleur artiste martial du monde, parce que vous ne pouvez pas prendre les angles qui montrent vraiment ce qu'il peut faire. De même, il ne peut pas faire des rotations sur lui-même en faisant d’incroyables pirouettes de papillon, car ce serait simplement un monde différent. Le format comporte donc des restrictions. Et nous savons ce que nous faisons. Nous essayons de nous retenir de l'éclat et d'opter pour cette ambiance militaire CQC [combat rapproché], qui convient très bien. Je pense que cette version allongée, que cela vous plaise ou non, vous êtes simplement aspiré.

Certains acteurs seront vraiment à la hauteur et seront les meilleurs que vous ayez jamais vu, parce qu'ils sont comme : Je ne veux pas être celui qui, dans cette prise de 10 minutes, tout gâche. Alors ils passent à ce niveau d’authenticité et de concentration, et vous pouvez également le ressentir. Mais de la même manière, si vos performances sont légèrement inférieures, il est plus difficile de s’en cacher.

J’en suis tombé amoureux. Je ne le ferai pas pour toujours. Je reviendrai bientôt au cinéma normal et conventionnel, j’en suis sûr. Mais je m'amuse beaucoup. Et je suis tellement content de l’accueil que nous avons eu.

Tom Berenger a l'air austère et pointe une arme dans One More Shot

Qu'as-tu appris de One Shot auquel vous avez postulé Un tir de plus? Le film semble plus confiant – avez-vous ressenti cela pendant le tournage ?

Bien sûr, nous l’avons fait. Et je dis « nous » parce que j’ai une équipe de base très solide avec laquelle j’aime travailler, et ils sont tous dans le même train que moi. Je pense que le premier film, même si j’étais confiant… Écoutez, j’ai essayé de garder cela un peu secret dans le premier, mais nous savons tous qu’il y a des coupures cachées dans le film. Ne vous méprenez pas, je ferai une prise aussi longtemps que possible. Il y a trois raisons de rompre : la sécurité, la géographie ou la disponibilité des acteurs, si vous devez tourner dans le désordre. Ce sont vraiment les raisons pour lesquelles j’ai supprimé. Sinon, j’irai aussi longtemps que possible dans ce laps de temps. Donc, vous envisagez vraiment des prises de huit à dix minutes.

Sur le premier film, je savais que nous pouvions le faire, mais nous ne l’avions pas fait, dans le sens où nous n’avions pas caché les coupes auparavant. J’ai donc mis l’accent dans le premier film sur la nécessité de pouvoir cacher les coupures. La différence avec le deuxième film était que le poids avait été allégé. Nous l’avions fait. Je savais que nous pouvions le faire. Je savais comment faire. Je savais comment me sortir d’une impasse, même si quelque chose ne fonctionnait pas ce jour-là et que j’avais besoin de m’en sortir. Parce que nous l’avions déjà essayé et testé.

Ce poids avait donc été enlevé de mes épaules. Donc c'est comme, OK, eh bien, maintenant j'ai le temps de réfléchir un peu plus à la manière d'être plus élaboré avec l'appareil photo.. Et aussi, nous avions un peu plus d’argent sur celui-ci. Nous pourrions donc faire des choses comme sortir la caméra de la voiture et la jeter dans une cage d'escalier sur une plate-forme et savoir que tout irait bien. Nous avons pu être un peu plus rusés.

Comment avez-vous géré le tournage à l’aéroport de Londres Stansted ?

C'était la partie la plus difficile de tout ce processus : filmer dans l'environnement de travail d'un aéroport international. Nous savions que nous voulions aller plus grand. La réponse des fans au premier a été extrêmement positive, et bien plus que ce à quoi nous nous attendions. Évidemment, lorsque vous vous lancez dans ces projets, vous croyez au film – vous devez le faire, sinon vous ne le feriez pas. Mais je voulais vraiment qu'il atterrisse. Et ça n’a pas forcément eu le gros coup de pouce que j’espérais, à cause du COVID à l’époque, mais ça a fait suffisamment pour vraiment trouver un public.

Nous avons écouté les retours des fans. Pas nécessairement les grandes critiques papier, mais les fans. Et nous avons essayé de répondre à cela dans ce film et de leur donner plus de combats, de leur donner plus de corps à corps, de leur donner plus d'intrigue, mais aussi de faire en sorte que ce ne soit pas un lieu à petit budget, ce que nous avons rencontré. beaucoup dans les commentaires.

Donc, une fois que nous avons découvert que nous avions la chance d’obtenir le numéro deux, nous nous sommes lancés dans ce que nous allions faire, et nous nous sommes dit : Nous n'aurons jamais d'aéroport. Nous imaginons simplement que nous allons avoir une petite piste privée. Ça va être du caoutchouc, ça va paraître à petit budget de toute façon. Le producteur, Ben Jacques, a donc été chargé de Pouvez-vous obtenir un aéroport? Et comme par miracle, le quatrième plus grand aéroport d’Angleterre, l’aéroport de Stansted, a manifesté son intérêt. Ils étaient comme, Oh, nous aimons ce son. Ouais, descends. Et c'est ce que nous avons fait.

Michael Jai White, portant un gilet pare-balles et un fusil accroché à l'épaule, parle à un autre homme portant un gilet pare-balles pendant que des otages sont alignés contre le carrousel à bagages de l'aéroport dans One More Shot.

Alors nous sommes descendus et nous avons regardé, et nous avons pensé que ce serait parfait. Et puis nous avons écrit le scénario autour de cela. Mais c’est là que les choses sont devenues délicates. Le premier film, nous avions un lieu abandonné, que nous pouvions filmer 11 heures par jour, sans poser de questions, c'est simple. Mais aller à Stansted s'accompagnait d'un grand nombre de restrictions, les mêmes restrictions auxquelles vous êtes confronté en tant que voyageur voyageant à l'étranger. Vous passez par le détecteur de métaux, vous passez par le contrôle. Faire venir une centaine d'équipages avec des fusils, des couteaux, de faux explosifs vous fait facilement perdre une heure de votre journée.

De la même manière, vous avez des touristes qui courent partout en attendant de prendre leur vol et tout ça. Au Royaume-Uni, vous ne pouvez pas voler entre minuit et 4 heures du matin. Ils ferment les vols pour que les gens puissent dormir. Et c'est à ce moment-là que nous avons tourné le film. Nous arrivions donc à l’aéroport vers 7 ou 8 heures du soir, faisions quelques répétitions, prenions un peu de nourriture. Et puis on a vraiment commencé à démarrer entre minuit et 4 heures. C'était un arrêt difficile à 4 heures, parce que les avions arrivaient, ou que les gens montaient dans les avions.

Une nuit en particulier, nous étions dans la zone de récupération des bagages et nous avions une longue attente et une heure à parcourir. Et nous avons eu des mois et des mois de réunions à ce sujet. Mais tu sais, il y a toujours un gars qui n'est jamais aux réunions, qui se présente et dit : Oh, tu dois terminer dans 20 minutes. Nous avons réussi à obtenir deux prises de neuf minutes chacune. Le deuxième est dans le film.

Tout le monde connaît la configuration d'un aéroport, il devient donc beaucoup plus facile pour le public de s'ancrer dans l'endroit où se trouvent les choses, à quoi ressemblent les endroits à accès restreint, ce genre de choses. Mais cela vous permet d’interagir davantage avec l’environnement en termes d’action. Qu'est-ce que le lieu de l'aéroport a ajouté au film ?

C'est un peu ce que je ressens 1917. Une chose à laquelle nous avons été confrontés en sortant après 1917, même si [One Shot] avait été initialement écrit avant 1917, c'est que les gens ont eu un peu de mal avec la trame de fond. Il n’y avait pas beaucoup d’histoire racontée. Et le problème avec le fait de faire les choses en temps réel en une seule fois, c'est que vous ne pouvez pas vous arrêter au milieu d'un combat et commencer à appeler votre mère ou votre femme, parce que le public sait ce que vous faites. Vous faites du pied de biche dans une trame de fond, mais cela commence tout juste à paraître ringard et irréel.

Et l'avantage que 1917 Ce que nous avons sur nous, c’est que la nation et la compréhension collective du monde d’un soldat de la Première Guerre mondiale – tout le monde l’a étudié à l’école. Vous avez immédiatement une idée ou une connaissance de l’histoire de ce soldat. Ce n'est donc pas forcément ça 1917 a même plus d’histoire que nous. Mais ce qui fait la différence, c’est qu’il existe cette compréhension non écrite de la Première Guerre mondiale que vous venez de comprendre. C’est dans votre subconscient, d’une manière générale, en tant que public occidental.

Et c’est probablement la même chose avec l’aéroport. Tout le monde n’a pas vu une base de type Guantanamo [le décor de One Shot] en dehors d’un film. Alors que tout le monde connaît un aéroport. Et je pense que c'est là que [Un tir de plus] s’accentue également, c’est que nous sommes allés dans un endroit que vous comprenez tous en quelque sorte : Oh, il va y avoir un escalator, il va y avoir ceci, il va y avoir ça. Je pense donc que pour insister sur votre point, je suis totalement d’accord avec vous. Et puis vous commencez simplement à profiter des fruits de ce que vous pouvez trouver, vous vous promenez et vous concevez la [chute] en empruntant les rails ou en vous battant dans le métro.

Scott Adkins se tient à côté d'Hannah Arterton blessée, avec un bandage sur le bras, à l'aéroport dans One More Shot.

D’ailleurs, c’est mon combat préféré dans le film.

Moi aussi. On ne coupe pas pendant les combats. C’est en partie la raison pour laquelle Scott aime le faire aussi, c’est parce que nous le forçons vraiment à le faire pendant deux, trois minutes. Et ce que j’aime dans la bagarre dans le métro, c’est qu’à cause de tout le premier plan, les poteaux, les poutres et le verre, il est en fait impossible d’y mettre ne serait-ce qu’une coupure. Ce ne sont donc que deux combattants à l’écran physiquement incroyables [Adkins et Aaron Toney] qui y vont vraiment. Et j’ai le privilège qu’ils aient fait cela pour nous sur un train en marche à environ 30 milles à l’heure.

Ce qui me semble être l’un des défis narratifs les plus difficiles du format, ce sont les séquences de transition. Comment avez-vous abordé le passage de scène en scène au sein de cette structure ?

[C’est là que] l’avantage d’aller sur place [est entré en jeu]. Avoir un plan de 10 pages, trouver l'emplacement, puis écrire le script autour de l'emplacement, puis effectuer des visites définies en arrière et en avant. Et aussi, c'était un lieu [réel], ce n'était pas quelque chose que nous construisions et que les gens devaient essayer de comprendre.

Parce qu'il y a beaucoup de One Shot c'est en fait un ensemble. Par exemple, nous utilisons le terrain extérieur, mais en réalité, tous les intérieurs sont généralement assemblés dans une salle de sport sur place. Et c'était beaucoup plus facile pour [le scénariste] Jamie [Russell] d'écrire ces passages de temps. Et puis quelques amis acteurs sont venus environ trois mois avant le tournage du film, et sur une GoPro, nous avons parcouru chaque scène juste pour le timing du script.

Tu veux en faire un autre ? Un dernier coup, peut-être?

Ouais, je veux en faire un autre. Je n'ai pas de spoilers pour vous. Il n’y a pas encore de feu vert. Je vais faire de mon mieux et frapper à toutes les portes pour, espérons-le, nous y amener. Mais il n’y a pas de nouvelles, à part le titre. Et il semble qu’Internet ait lui-même trouvé le titre.

Je veux dire, tu nous as préparé ça.

[des rires] Moi et les producteurs en avons parlé dans le passé, mais cela ressemble en quelque sorte à ces petites montagnes russes en ligne, ce qui est amusant et excitant. J’adorerais donc désespérément faire ce film, mais nous n’en sommes pas encore là. Voyons.

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